Un aperçu de la filmographie d'Iwai Shunji, entre noir et blanc

Journaliste invité de Cineplay, Kim Myung-jae

Un réalisateur qui comprend si bien la sensibilité des jeunes filles, Iwai Shunji. De 〈Love Letter〉 (1995), célèbre pour sa phrase « Ogenki desu ka », au classique du premier amour qui revient au printemps, 〈April Story〉 (1998), et à 〈Hana to Alice〉 (2004), qui traite de l'amitié, de la croissance et de l'amour des jeunes filles, Iwai Shunji a de nombreux fans en Corée grâce à sa magnifique esthétique visuelle réalisée avec la lumière naturelle et son récit romantique délicat et sobre. Attendez, si vous pensez « Iwai Shunji ? Ce n'est pas lui ? », vous êtes peut-être un fan de « Black Iwai ». Son premier film, 〈Undo〉 (1994), qui traite du syndrome de l'enfermement, 〈All About Lily Chou-Chou〉 (2001), qui aborde le harcèlement, et 〈Swallowtail Butterfly〉 (1996), qui dégage une atmosphère grotesque, montrent des charmes opposés au point de se demander si c'est le même réalisateur. C'est pourquoi les fans d'Iwai Shunji appellent ses films lumineux « White Iwai » et ses films sombres « Black Iwai », et les combinent pour les appeler « Iwai World ». Les œuvres de White Iwai sont généralement plus populaires en Corée, mais cette fois, le film emblématique de Black Iwai, 〈Swallowtail Butterfly〉, a été réédité le 16 juillet. Pour célébrer cela, nous allons prendre le temps de revisiter ses œuvres emblématiques. Si le meilleur film n'est pas sur la liste, n'hésitez pas à le partager dans les commentaires.

〈Love Letter〉

Il y a peut-être des gens qui n'ont pas vu ce film, mais il est peu probable qu'ils ne connaissent pas la scène « Ogenki desu ka » ci-dessus. 〈Love Letter〉, qui est devenu une légende du cinéma japonais en Corée, a été parodié par de nombreux médias et est un film romantique se déroulant dans la station de ski d'Otaru à Hokkaido, qui allie beauté visuelle, sensibilité populaire et art. En 1999, alors que le cinéma japonais commençait à être importé grâce à la politique d'ouverture culturelle, il a attiré un public exceptionnel de 1,4 million de personnes, créant un véritable phénomène. Le film aborde l'attitude des gens face à la mort et le deuil à travers les dispositifs romantiques de « lettres arrivées de personnes décédées » et « premier amour ».

Le film commence lorsque Hiroko (Miho Nakayama) envoie une lettre à l'ancienne adresse de son fiancé, Fujii Itsuki (Takashi Kashiwabara), qu'elle a perdu. Cependant, la lettre est remise à une camarade de classe du même nom, Fujii Itsuki (Miho Nakayama - double rôle), et elle reçoit une réponse à une lettre qui ne devrait pas avoir de réponse. Les deux femmes échangent des lettres et rencontrent indirectement le défunt Itsuki. Ici, au lieu d'exagérer les émotions mélodramatiques, le film suit le temps croisé de deux femmes partageant le souvenir du défunt, montrant comment l'existence d'une personne est reconstruite dans la mémoire d'autrui. Hiroko découvre le passé de son fiancé qu'elle ne connaissait pas grâce aux lettres d'Itsuki, et Itsuki revisite des émotions passées qu'elle ignorait. Dans ce processus, les deux femmes se remémorent la mort et la perte qu'elles ont vécues. Hiroko se souvient de la mort de son fiancé, tandis qu'Itsuki se remémore la mort de son père, vivant une vie quotidienne apparemment normale tout en cachant une tristesse enfouie qui resurgit à la moindre occasion. Même si vous n'avez pas vu le film, la réplique de Hiroko sur la neige « Ogenki desu ka » résonne comme un salut à ceux que l'on ne peut pas laisser partir. Le réalisateur a choisi de mettre en scène les émotions par l'action plutôt que de les exagérer par des gros plans, décrivant avec précision l'amour maladroit d'une adolescente pour un garçon dans la scène où la fille Itsuki interagit avec le garçon Itsuki. Elle essaie de le provoquer en lui présentant d'autres personnes, tout en se plaignant de lui, mais sans jamais s'éloigner. La mise en scène de la caméra, où le garçon Itsuki est capturé dans le regard de la fille, est à la fois agréable et inconfortable, représentant l'adolescence elle-même. Ce film impressionne par sa manière de cacher les émotions derrière les actions et de représenter la perte dans les espaces vides.

〈Swallowtail Butterfly〉

〈Swallowtail Butterfly〉 est le deuxième long-métrage réalisé par Iwai Shunji après 〈Love Letter〉, et bien qu'il soit un Black Iwai, il a été réédité le 16 juillet de cette année. Si le film précédent traitait délicatement du deuil et de la mémoire, cette œuvre choisit un style et un thème presque opposés, abordant l'hybridité de l'identité, du langage et du capital sur la texture brute du film 16 mm d'avant l'ère numérique et l'énergie chaotique de la ville.

L'histoire se déroule dans un Japon fictif où le yen est devenu la monnaie la plus puissante au monde. Dans le bidonville d'Entown, en périphérie de la ville où affluent les immigrants, diverses nationalités, langues et classes sociales coexistent. Le film suit des femmes immigrées travaillant dans le sexe, des adolescents des rues, des escrocs et des gangs, des personnages qui n'ont pas de nationalité réelle, et montre comment ils forment une communauté. La protagoniste, Ageha (Ayumi Ito), perd sa mère et, errant, rencontre Glico (CHARA), une prostituée venue de Chine, et établit des relations avec elle et son entourage. Comme Ageha, qui a perdu sa mère, Glico est également venue à Entown avec ses frères, Rangkui et Rangkai, pour gagner de l'argent, mais n'ayant aucune connaissance de la langue japonaise, ils ne trouvent pas de travail, et Rangkai meurt dans un accident de la route pendant qu'ils volent. Les gens se rassemblent sur les lieux de l'accident, et sans moyen de prouver leur identité ou de communiquer, ils finissent par perdre leur famille et se séparer. Glico donne à Ageha le nom de « Ageha (papillon tigre) » et l'accueille, et Ageha se retrouve mêlée à d'autres immigrants qui sont également attirés par l'argent à Entown. 〈Swallowtail Butterfly〉 est une œuvre qui privilégie l'espace et l'atmosphère plutôt que des personnages spécifiques. Ce n'est pas tant une histoire unique qu'une narration collective créée par la collision de diverses identités. Le film décrit collectivement la survie dans la rue, la rupture du langage et les désirs réprimés, mettant en lumière la structure hiérarchique créée par le capitalisme et la vie en marge de la société. Un point caractéristique est que la plupart des personnages utilisent une langue tierce. Entown est un espace de frontière où il n'y a pas de sujet clair, et à l'intérieur, les personnages perdent constamment leur nom et en reçoivent de nouveaux, flottant à l'intérieur et à l'extérieur du filet de sécurité illusoire de la communauté. Les protagonistes se retrouvent à fabriquer de faux billets, essayant de s'infiltrer dans la société, mais finissent par être découverts et éliminés, ce qui évoque la vie des immigrants.

Le film, fidèle à l'esprit de Black Iwai, est dominé par un ton sombre et brut. Il se caractérise par une caméra à main, un grain prononcé et des coupes improvisées, où le rythme brut prend le pas sur une mise en scène raffinée. Si vous n'avez pas encore découvert Black Iwai, c'est sans aucun doute le premier film à recommander. La musique, qui reflète le courant du rock alternatif japonais, et la voix envoûtante de Glico sont également des points d'attraction.

〈April Story〉

〈April Story〉 est un habitué des listes de films recommandés pour le printemps, traitant de la tension et de l'excitation du protagoniste, Uzuki (Takako Matsushita), qui s'installe à Tokyo. Avec une durée de seulement 67 minutes, il ne correspond pas à la longueur d'un film commercial typique, mais à travers une structure narrative extrêmement réduite, il se concentre plutôt sur l'expérience sensorielle individuelle. C'est le temps de course optimal pour capturer une émotion de manière dense.

Uzuki, un nouvel étudiant universitaire qui vient de Hokkaido à Tokyo, a un ancien camarade de classe dont il était amoureux au lycée qui se trouve à Tokyo. Le film suit le quotidien d'Uzuki alors qu'il s'adapte à son nouvel environnement, que ce soit en déménageant, en participant à des cours, en rejoignant des clubs ou en visitant des librairies, sans structure narrative typique, conflit ou retournement. La caméra capture non pas l'intrigue, mais les expressions d'Uzuki, les paysages extérieurs, les détails des objets, ainsi que les sensations de la saison, comme la pluie de printemps ou les cerisiers en fleurs. Les dialogues sont minimisés, et de nombreuses scènes sont composées de longs plans statiques. Au lieu d'expliquer l'intériorité des personnages, le film incite le public à suivre le fil émotionnel. Vous vous demanderez peut-être : « Qu'en est-il de la romance avec le camarade de classe dont il était amoureux ? », mais c'est ici que 〈April Story〉 se distingue. Le film traite non pas de l'amour, mais du « point de départ de l'amour ». Uzuki erre dans l'espace où « cette personne pourrait être », et la rencontre tant attendue avec son ancien camarade de classe se déroule sans aucune narration. Et lorsque finalement un tout petit lien se crée entre les deux, le film se termine. Un nouveau semestre, un nouveau départ, et même le début de l'amour, le film cherche à capturer l'étrangeté et l'excitation que procure le « commencement », tout en éliminant les éléments superflus de la maturation de l'amour. Au Japon, le nouveau semestre commence en avril. Ce film dépeint le mois d'avril au Japon avec un cadre lent, une musique apaisante et une respiration tranquille.

〈All About Lily Chou-Chou〉

〈All About Lily Chou-Chou〉 traite de l'isolement, de la violence et de la déconstruction de l'adolescence. Le film a commencé comme un roman publié sur Internet. Le réalisateur a géré un forum pour le chanteur fictif « Lily Chou-Chou » depuis 1999, remplissant une partie de l'œuvre avec les lecteurs, et a adapté cette expérience en film. La raison pour laquelle le film a pu capturer l'état d'esprit de la société japonaise au début des années 2000 est également due à cette expérimentation narrative basée sur les débuts de l'ère numérique. Il est considéré comme le meilleur film par les fans, et le réalisateur lui-même a déclaré : « Si je devais choisir un dernier film, ce serait celui-ci ».

Au centre de l'histoire se trouvent deux collégiens, Yuichi (Hayato Ichihara) et Hoshino (Shunichi Oshinari). Ils étaient amis, mais Hoshino devient le leader de la classe et commence à harceler Yuichi après un incident, créant une hiérarchie entre eux. Pour oublier la réalité, Yuichi s'immerge dans la musique de Lily Chou-Chou et les activités de la communauté en ligne, où il ressent un lien spécial avec Aoneko, qui prend toujours soin de lui et le réconforte. Le film alterne entre l'espace de communication en ligne et l'espace violent de la classe, visualisant la division émotionnelle qui existe entre ces deux mondes. La personne qui réconforte chaleureusement en ligne peut frapper dans la réalité. En ce sens, 〈All About Lily Chou-Chou〉 n'est pas un film de croissance. La transformation de Hoshino, qui passe d'un bon ami à un agresseur, suggère que la violence n'est pas simplement un acte, mais une distorsion de l'identité. Ce n'est pas un film facile à regarder. La narration et la mise en scène poussent à l'extrême l'isolement et la douleur de l'adolescence, rendant l'expérience douloureuse et inconfortable. Pourtant, la raison pour laquelle ce film attire l'attention est qu'il dépeint avec précision la trajectoire destructrice de l'adolescence que tout le monde a vécue, et qu'il l'exprime à travers la « musique ». De la musique électronique onirique à la musique classique de Debussy, tout est mélangé pour exprimer l'arc émotionnel du protagoniste, Yuichi.

〈The Bride of Rip Van Winkle〉

Basé sur le roman éponyme écrit par le réalisateur, 〈The Bride of Rip Van Winkle〉 est un nouveau monde d'Iwai qui ne s'inscrit dans aucune des catégories de White Iwai ou Black Iwai. C'est le premier long-métrage en prise de vue réelle présenté après 〈Hana to Alice〉 (2004), traitant des changements et de l'isolement des relations humaines à l'ère numérique. La protagoniste, Nanami (Haru Kuroki), est une enseignante non titulaire, introvertie et timide, qui est moquée à l'école. Le seul endroit où elle s'exprime est sur SNS Planet. Elle est sur le point d'épouser un homme qu'elle a rencontré là-bas. Cependant, contrairement à son mari, Nanami n'a pas de famille à inviter à son mariage et rencontre Amuro (Gō Ayano) grâce à Planet, utilisant un service de travail temporaire pour les invités. Pour maintenir une vie de mariage fondée sur le mensonge dès le départ, elle continue de mentir sans relâche et finit par divorcer. Seule et sans personne sur qui compter, Nanami commence à travailler comme femme de ménage dans un grand manoir grâce à Amuro, et au cours de cette expérience, elle commence à s'éloigner d'une vie où elle ne sait même plus qui elle est. Le film suit le processus par lequel Nanami, à travers des relations empruntées, retrouve un contact humain et finit par accepter la perte et devenir indépendante.

Avec cette œuvre, Iwai Shunji aborde le phénomène où les gens ne peuvent plus établir de relations naturellement et se tournent vers le « faux » pour se connecter avec autrui. Dans une société où tout, des amis aux mariages en passant par les funérailles, peut être confié à autrui, le réalisateur montre plutôt les émotions et les liens qui émergent à l'intérieur de ces relations fausses. Bien que le temps passé par Nanami avec Mashiro soit court, elle y fait l'expérience de véritables émotions qui lui permettent de supporter les fissures de la vie. Le film matérialise l'émotion d'isolement à travers l'insertion d'écrans de messages SNS, une musique extrêmement restreinte, des longs plans et des compositions statiques, permettant au public de vivre ces émotions. En particulier, le traitement du silence et des regards statiques tout au long du film révèle l'état d'un personnage qui ne parvient pas à se connecter avec les autres. La présence d'Amuro, qui est un personnage clé du film, est également un élément de tension. Amuro, qui prétend aider des personnes comme Nanami, dépendantes des SNS, utilise en réalité ces personnes pour en tirer profit, mêlant subtilement le bien et le mal. Et son comportement imprévisible ajoute une tension à une narration qui pourrait sembler ennuyeuse. C'est un film recommandé pour ceux qui souhaitent découvrir un nouvel Iwai.