【專訪】十年執念打造巨型娛樂鉅作，《〈霍普〉》羅宏鎮談新作①

「所有悲劇都起始於視角（Perspective）。」這是羅宏鎮導演在 〈霍普〉 的導演筆記中寫下的一句話。

定檔於7月15日上映、並入圍第79屆坎城影展競賽單元的羅宏鎮新片 〈霍普〉 即將與觀眾見面。故事從一個小鎮裡看似瑣碎的惡行出發，逐步擴張為宇宙級的悲劇；片中也清楚延續了羅宏鎮多年來對人性與信仰的提問。

不過，儘管羅導的提問依舊具深度，實際上 〈霍普〉 是一部非常注重娛樂性的作品。影片如同大型遊樂設施般，並不以冗長的鋪陳或溫情角色說明為主，而是把觀眾直接綁上巨型過山車、一路推進。作品揉合科幻、西部、喜劇與動作等元素，帶來前所未見的類型趣味；全片幾乎沒有一分鐘虛耗，以密集場面一路推進至結局；而到了尾聲，電影同時拋出羅宏鎮長年反覆追問的「信念」問題。

即便距離上映僅剩一週，他仍在反覆微調影像與聲音，憑藉近乎執拗的完美主義持續把片子做到最高密度。7日下午，《Cineplay》在首爾鐘路區一處地點專訪了《〈霍普〉》導演羅宏鎮，從電影上映心情到幕後故事，進行了一場深入對談。以下為訪談全文。

包含坎城在內，國內外反應熱烈。媒體試映後收到的好評，您真實的感受是什麼？

老實說，大家都給了很多美好的評論，但那些讚美聲我反而不太聽得進去。我自己也在觀眾席上重看過，在我看過的杜比廳旁邊的普通廳裡坐過。因為我之前從未在5.1聲道的普通廳看過這部片，記者會一結束我就去做聲音混音的修改，並且打電話給系統與DI室，打算今天訪談一結束就再去把事情收尾。明天我還會飛到美國整理杜比視覺的部分，回來後應該就沒有時間再做任何事了。這件事固然讓人感激，但現在不是可以陶醉在好心情裡的時刻。我就是要收尾，把眼前看到的每一處都再往上拉一點，真的會做到最後一刻為止。

目前還在修改的細節具體是哪些？

主要是聲音與音樂的品質問題。聲音平衡在杜比Atmos版本與5.1版本之間有些差異。大部分作品會先在Atmos的session裡完成，再把它down-convert成5.1抽出，但我們電影因為音樂與聲音太重要，所以乾脆重做5.1的工作。不過聲音的能量感不一樣，結果即使標示相同音量，觀眾卻會覺得有些聲音太大、有些又太小，這些地方正在被逐一修正。還有片中那個「流淚的那場戲」。在DI室看時不覺得有問題，到了電影院為何會有那樣的呈現，真讓人抓狂。為了那個畫面我來回了不知道多少次。

您提到的那段、主角凡錫（黃政民飾）與未知存在相遇的「流淚戲」讓人印象深刻。那段需要相當精密的CG技術，您當初如何想像並實現那個鏡頭？

我把那個場面視為情感上的時刻，屬於導演詮釋的範疇，而不僅是技術問題。雖然我們替演員做了動作捕捉，但就算以高速攝影把影格撕裂，再回頭處理時會發現資料量不足，匹配起來並不理想，幾乎是得把它重做一遍。如果當時是實景、請演員重拍，我會喊NG再拍，直到我能喊OK為止；但CG作業不是這樣，很難簡單喊OK就完成。

雖然外界常把 〈霍普〉 稱為科幻片，但若單以傳統科幻類型來定義，這部片其實很難完全套入。

之所以被歸為科幻，是因為分類時我也不知道該用什麼名稱來稱呼它。若只能選一類，我會認為選SF（科幻）是比較貼近的，但說它完全符合SF的敘事文法，其實並不盡然。

如同您在前作 〈哭聲〉 中出現的「外來者」，在本片 〈霍普〉 則出現更非凡的「外星人」。您為何決定把「外星人」引入電影？

在 〈哭聲〉 我處理的是土著性的神祇與超自然現象，這回我想把這個命題再往前推一步，去觸碰更龐大的存在。自然地，宇宙這個場域就出現了；為了表現與象徵那個存在，我讓設計加入，於是把它深化成電影中的「外星人」。在 〈哭聲〉 裡用「外來者」就已足夠，但這回我覺得需要更深入的象徵性，於是決定讓外星人出場。片中我們也把原先刪掉的片段補回，恢復了嚴文錫所飾演的『梁培』角色的戲份。這部片同時也是在講：一個在極小、極微不足道的地方發生的小事，能夠擴大到多大？如此巨大的悲劇可能從微不足道的起點發生，而造成惡行的主體，看起來卻未必懷有任何惡意。『梁培』這個角色就是要說明，導致惡行的人，不見得一定懷有惡意。

電影中有人類與外星人之間兩次重要的衝突；敘事也在後段之前分成凡錫（黃政民飾）的旅程與成基（趙寅成飾）的旅程這兩條線。您這樣的構成安排有何考量？

觀眾在兩小時二十分裡會持續觀看這些衝突。我希望既能帶給觀眾動作上的快感與樂趣，也得顧到觀眾會如何感受、如何接住這些訊息。因此我期望兩次大型衝突在觀眾心中產生前後不同的感受。嚴格說來，到了第二次衝突時，從外星人的視角來看整部片會是合理的選擇；而我最終選擇的觀點，仍是站在觀眾那一邊。第一場持續約一小時的衝突，讓觀眾從凡錫的立場看到他與外星人的激烈搏鬥；之後透過成愛（鄭好妍飾）與成基的視角，觀眾會獲得凡錫所不知的其他資訊。像是中段林賢植演出的證言場面，我原本就希望觀眾會笑、會覺得有趣；接著我想讓觀眾感受到一種良心上的譴責，會想「我剛剛為何會笑？」到了第二次衝突，本來理應從外星人的視角觀看，但我刻意引導觀眾不自覺又回到人的視角，重新投入那個片段。

整部片雖然多發生在沒有黑暗的正午時分，卻仍有壓倒性的恐怖感。開場的車輛追逐動作帶有80年代經典動作片的類比風格。您如何規劃電影的視覺策略？

我想用非常廣角的鏡頭來拍這部電影。無論如何都要讓觀眾感覺像是更接近、更進入那個空間。我請美術、攝影、動作攝影等，在鏡頭移動上盡量用廣角鏡頭讓畫面有被拂過的感覺。把時代背景設定在過去，說實話部分原因是為了避免智慧型手機的干擾：若置入智慧型手機，為了說明它我們得處理太多繁瑣的細節，實在麻煩（笑）。我們用了非常復古的鏡頭，並配合相應的服裝、美術與化妝，這反而在設計外星人並與之衝突時帶來某些便利性。

片中所呈現的虛構小鎮「虎浦港」外觀樸素，而附近的森林卻具有異國氛圍。您為何這樣設定電影的空間背景？

設定上必須徹底孤立，且在後續敘事中能夠被充分利用。最重要的原因是，我想創造一個結構：一件極為渺小、卑微、幾乎不值一提的小事，能夠變成整個宇宙的故事，並失控擴張。因此我思考在韓國有哪些地方可以符合這樣的想像，我常去的高城北部某些地區就很符合這種氛圍，所以選定那類型的場域來設定。

尤其是以森林為背景的追逐戲，其速度感讓人印象深刻。這樣的拍攝是如何實現的？

要呈現那種速度感，就必須冒著危險快速移動鏡頭。其實並沒有既有以馬在森林中高速奔馳拍攝的參考作，所以我們先把森林中的石頭與障礙清理掉，為快速奔跑創造可能的環境，並大量使用機車。我們與好萊塢大型電影的特效與動作團隊合作，安裝了鏡頭緩衝與操控裝置，然後就只能一路衝。鏡頭掛在車頭、掛在車尾，甚至裝在馬身上，能試的都試了；演員甚至一度用單手直接拿著攝影機拍攝。為了開出路面露出的土壤，我們事後又用CG把草重新鋪回去，還原成像是第一次踏上的樣貌。

首度出現的外星人令人震撼。在這個樸實小鎮忽然冒出龐大未知存在，部分觀眾或許會覺得那個出場段落有些違和感。您認為這種違和感從何而來？

第一個原因是：其實觀眾在看電影時不應該立刻知道那個存在是外星人。應該要先以為是老虎或其他東西，然後才有未知生物突然跳出來。但事實上，大家已經透過預告或新聞知道會有外星人，而觀眾也知道凡錫在約50分鐘時會遇到那個生物，這就讓觀眾帶著「那是外星人」的既定印象在看，導致出場時覺得「這又不是我心目中的外星人」，產生違和。第二個原因是我把這個強烈的動體放在正午的烈日下拍攝，這是我的錯。高速移動的物體若以一般影格呈現，會出現大量的軌跡模糊（motion blur），畫面會糊成一團；為了刻意讓它清晰，我們又做了一些處理，結果就顯得奇怪。此外，拍攝地——海南的海邊——天氣變化莫測，陽光時而出、時而被雲遮住。以往在拍攝 〈哭聲〉 時，我的攝影指導洪敬杓可能會極度執著於等到天色一致再拍，但這次他反而說「沒關係！天空本來就會忽陰忽晴。快拍吧！」（笑）因此有些鏡頭出現了日照不一致的難題。

本片中的外星人外形有如人類，各角色的外觀又各不相同。您能談談外星人造型的設計歷程嗎？

一開始我們覺得真實感很重要，便從那種有如八卦小報會刊出的典型外星人形象出發。接著與設計師討論時，發現市面上還沒上映的片子已有某些設計走向，於是我們決定不能照抄那些匯流的想像，便持續蒐集細節資訊並不斷演化。外星人造型的演變大約歷時8年：從2017、2018年開始做設計、然後建模、放進片中測試，之後再與演員做匹配，這個過程帶來最大的改變，最後才形成現在的樣貌。

演員們付出極為激烈的求生式動作演出令人印象深刻。成基（趙寅成飾）以及成愛（鄭好妍飾）在動作刻畫上各自有何設計？

成基這個角色象徵人類那種拼命活下去、不願死去的本能，我把他的動作放大為身為地球人的硬氣，所以他的動作戲會以此為基調來呈現。至於成愛這個角色，我的靈感來自我在一個極寒國家小型機場看到的一位年輕女地勤。她在跑道上引導飛機，手套都沒戴，臉和手都凍得通紅，但她像專業人士一樣跟機長對話並主導整個流程。那個畫面讓我非常感動，我就想把這類堅韌、專業的氣質拍進電影裡。

※含結局劇透的 〈霍普〉 羅宏鎮導演訪談，將於下篇公開。